Nació en la Ciudad de México y se inició como cantante en 1973, en La Peña del Nahual, donde conoció a los compositores mexicanos Jaime López, Emilia Almazán, Marcial Alejandro, Roberto Cárdenas y Arturo Cipriano, entre otros, quienes contribuirían a dar forma a su voz como intérprete.
Con un timbre de voz que recuerda a Cecilia Toussaint y a Emilia Almazan. Ha participado en muchos foros importantes de musica de Mexico y colaborado con musicos de prestigio. A pesar de tener una larga trayectoria artistica, la obra grabada de Maru Enriquez es escasa y dificil de conseguir, lo que explica parcialmente porque esta artista no es más conocida del público hoy en día.
En 1975 fundó el grupo La Nopalera, que se caracterizaba por su propuesta mexicana al entonces conocido movimiento de la "nueva canción", y con el que grabó tres discos: "Nueva canción", "Crece la audiencia" y "Tremendo alboroto".
En 1980 formó un trío junto con Jaime López y Eniac Martínez, con el que se presentó en diferentes foros de la Ciudad de México, y al año siguiente se integró al grupo Rehilete, también de canción mexicana contemporánea, y posteriormente trabajó con el grupo de teatro infantil Hojarasca.
Grabó su primer disco como solista en 1983, "Ardentía", el cual incluyó cuatro temas: "La Catrina", de Eduardo Langagne; "Cabañuel", de Pepe Elorza; "Un curso intensivo", de Jaime López, y "Canto mío", de Marcial Alejandro.
En el 2000 compartió escena con Jaime López en diversos foros y un año más tarde estrenaron el "cantauto profano" "Villaurrutiana", con el actor Sergio Zurita.A principios de 2002 grabó el disco "Ymivozquemadura", con 15 temas de Xavier Villaurrutia, editado por Fonartelatino, así como realizó presentaciones en diversos foros de la Ciudad de México, Ciudad Juárez, Monterrey y Guadalajara.
En el año siguiente terminó la grabación de "Gran quinqué", con 11 temas de Jaime López, con quien continuó presentándose durante 2003 y hasta 2005.
Apartir de 2007 la intérprete se ha presentado junto con la banda de blues y rock Salida de Emergencia, grupo formado hace 12 años y que cuenta con los músicos Alejandro Badillo (guitarra, voz), líder del grupo; Rafael Marfil (bajo, coros); Hugo Salazar (batería, coros); "El negro" Espinosa (percusiones, voz), y René García (armónica, voz).
En enero del 2012 Maru perdió el conocimiento, por lo que fue trasladada de emergencia a un hospital. Gracias a la oportuna intervención médica y después de varios estudios ya se encuentra estable; sin embargo, el prónostico es reservado. Su hermanó informó que la blusera tuvo una alta presión súbita, debido a la obstrucción de una artería que sube al cerebro, lo que le ocasionó una pérdida parcial de la vista e inmovilidad de las extremidades inferiores.
Las muestras de solidaridad y apoyo para la cantante Maru Enríquez fueron muchas. Por mencionar algunos amigos como Lalo Serrano y Ruta 61, que con la colaboración de Jaime López, El Charro y Los Moohowlers y, por supuesto, de la banda de Maru, Salida de Emergencia, organizaron un concierto el jueves 2 de febrero para recaudar fondos para la intérprete.
Es un grupo indie pop de Glasgow, Escocia, formado en 1996 por Tracyanne Campbell, John Henderson, y Gavin Dunbar. En septiembre de 2005, la banda empezó a grabar su nuevo álbum que se llamaría Let's Get Out of This Country ("Salgamos de este país"), con el productor sueco Jari Haapalainen. Este álbum salió al mercado el 6 de junio de 2006. El primer single extraído del disco es un tributo a Lloyd Cole y se llama Lloyd, I'm Ready to be Heartbroken ("Lloyd, estoy preparada para que me rompan el corazón").
Tienen a su haber nueve discos hasta el momento y son dueños de un sonido indie por excelencia que no tiene desperdicio alguno. Sinceramente había olvidado por completo esta maravillosa canción hasta que este fin de semana vi la película P.S. I love you (o Post Data Te amo) donde aparece en los créditos. De pronto todo me hizo mucho sentido y me fue imposible sacármela de la cabeza.
Lloyd i'm ready to be heartbroken aparece en el tercer disco de Camera Obscura llamado Let's get out of this country, aparecido en el 2006. De hecho, es el mejor disco de la banda escocesa. Todo ese toque de sencillez de su vocalista mas un gran solo de guitarra condimentan esta gran canción, parte de este gran soundtrack que se llama Efecto Sonar.
El origen de esta canción es por una banda ochentera británica de indie-pop llamada Lloyd Cole and the Commotions, que en su disco Rattlesnakes de 1984 incluyeron una canción llamada Are you ready to be heartbroken. De ahí nace esta bella canción, como una respuesta a la pregunta que hacía Lloyd Cole.
Con ustedes, Lloyd i'm ready to be heartbroken en su video original, bastante bonito. Todo en manos de Camera Obscura. Buen viaje.
Miembros actuales • Tracyanne Campbell - guitarra y voz • Carey Lander - piano, órgano y voz • Kenny McKeeve - guitarra, mandolina, armónica y voz • Gavin Dunbar - bajo • Lee Thomson - batería • Nigel Baillie - trompeta y percusión
Antiguos miembros • John Henderson - (1996-2004) - voz y percusión
es una popular cantante japonesa de bossa nova. Nació en São Paulo (Brasil) en 1962, pero a los 10 años se trasladó con su familia a Tokio, donde su padre abrió un restaurante de comida brasileña, el Saci Perere.
A partir de entonces pasó la mitad de cada año en Japón y la otra mitad en Río de Janeiro. Para las personas que no están familiarizados con Lisa Ono, su uso de la bossa nova puede sonar anticuada como Arthur Lyman, Martin Denny.
La música de Brasil ha crecido en popularidad durante los últimos diez años, especialmente en el jazz, y Ono ha formado parte de este crecimiento.
Lisa Ono es una fantástica cantante, desgraciadamente desconocida para muchos. Incluso para ese país que es un continente en sí mismo. Brasil. En algunos momentos, Lisa se esfuerza en ser onírica. Otras, totalmente ecléctica. Muchas veces marcial. Lisa Ono, que se ha estrenado en Hong Kong gracias a su participación en la cita local de las artes, describió que se sentía “muy feliz de poder presentar en Asia una música muy querida” para ella.
Aunque Ono cambió a los diez años Brasil por la tierra de sus padres, todos los años regresa al país que la vio nacer, donde suele grabar sus trabajos. “Me siento brasileña en el momento que vuelvo a Brasil“, describió la artista, quien, además de dedicarse en cuerpo y alma al repertorio brasileño de samba y bossa nova, también ha probado con temas procedentes de Oriente medio y de Hawai, así como con otros ritmos latinos.
“El jazz tiene mucho repertorio, mucha música interesante para mezclar con bossa nova, por lo que aproveché para realizar dos álbumes”, describió la artista. Contó haber buscado el “jazz americano tradicional” entre el repertorio de Nat King Cole, Frank Sinatra y Ella Fitzgerald.
“El jazz estuvo influenciado por la bossa nova y la bossa nova, para mí, estuvo muy influenciada por el jazz. Muchos músicos de jazz tocan músicas de Tom Jobim y Tom Jobim probablemente también estuvo influenciado por la música americana a través del cine. Estas dos músicas es como si fueran parientes”, indicó Ono. En 1989 publicó su primer álbum, Catupirý, y pronto se hizo popular en Japón, apareciendo en varios anuncios televisivos.
En 2003 publicó un álbum titulado Dans Mon Île (‘En mi isla’ en francés), un compendio de canciones francesas famosas para el que se inspiró en un viaje a aquel país.Fuente Wikipedia en español. Fuente fotos: web de Lisa Ono
(Caracas, Venezuela, 20 de febrero de 1917) es un musico y compositor venezolano, autor de famosas composiciones de corte venezolano, y, principalmente del llano venezolano, tales como Concierto en la llanura, Rosario, La Potranca Zaina, Madrugada llanera, Sabaneando, entre otras, cuya trascendencia universal, le colocan como uno de los arpistas de mayor renombre que ha tenido Venezuela en toda su historia musical.
Juan Vicente Torrealba Pérez fue el tercero de los hijos del matrimonio de Santana Torrealba Silva y María Esperanza Pérez, nacido en la esquina de Rosario en Caracas, para ese entonces una zona rodeada de haciendas y en las inmediaciones del Nuevo Circo de Caracas. Su niñez y adolescencia transcurrieron en el hato de su familia llamado Banco Largo, cercano a la población de Camaguán (Estado Guárico). Allí desempeñó diversas labores propias de los obreros de la hacienda y, debido a la falta de tiempo, nunca pudo cursar formalmente la educación primaria. Como anécdota de su adolescencia, cabe destacar que conoció y conversó varias veces con el dictador Juan Vicente Gómez. Es durante este período que nacieron sus inquietudes musicales y aprendió a tocar la guitarra, además de algunas nociones básicas de arpa. Como otros jóvenes de la época, Torrealba estaba influido por la música que llegaba de diversos países, sobre todo Cuba. A los 18 años de edad, realiza su primera presentación como guitarrista en el pueblo La Unión (Estado Barinas) tocando la melodía Cuidadito Compay Gallo del compositor cubano Ñico Saquito.
Buscando otros horizontes, Juan Vicente Torrealba se traslada a Caracas en 1948 y a pesar de que solo sabía escribir y leer por haber acudido a la escuela hasta el quinto año de educación primaria, se emplea como fiscal de una empresa láctea. Comienza a presentarse en la emisora de radio estatal Radio Nacional de Venezuela como ejecutante de guitarra, tocando música venezolana y conoce a la relacionista pública de la emisora, la compositora y concertista de piano María Luisa Escobar1 . Ella aconsejó al "Profesor Torrealba", como solía llamarlo, para que diera a conocer su música. Para ello, le regaló un disco maestro en blanco de 12 pulgadas, de los que solían usar las emisoras de radio en esa época para grabar programas o discos comerciales y dio la orden para que en la noche de ese día, el estudio de la estación fuese habilitado para que el joven Torrealba realizara su primera sesión de grabación. Convocó entonces a su hijo Santana Torrealba, de 9 años y a su hermano, Arturo para tocar las maracas y el cuatro venezolano. Respectivamente.
Al concluir las grabaciones, Torrealba escuchó repetidamente el disco terminado en su residencia, hasta horas de la madrugada. Este hecho daría origen al conjunto del intérprete denominado "Los Torrealberos". A la vista del resultado, María Luisa Escobar aconsejó a Torrealba sustituir la guitarra por el arpa, decisión que se afianzó luego de escuchar al concertista de guitarra venezolano Domingo Riera. Hizo traer del hato "Banco Largo" un arpa y empieza a practicar los conocimientos que ya tenía en un período de dos semanas. Aprendió, según sus palabras, mientras continuaba su labor musical, ya que había conseguido un contrato con la emisora privada Radio Caracas Radio, para presentar su propio programa llamado “Llano adentro con Los Torrealberos”. Más tarde, crearía su propia empresa de producción discográfica denominada "Discos Banco Largo" que tendría existencia hasta el inicio de la década de 1970, con el fin de proteger sus derechos como intérprete y compositor. Así conformado el conjunto, Torrealba comienza ganarse la vida en eventos sociales y en emisoras de radio. Un año después, se inicia como compositor con los temas Las caricias de Cristina y el reconocido Concierto en la llanura, melodía en ritmo de pasaje estilizado que, se convierte en tema de ejecución para la obtención de la licenciatura en arpa en México y Paraguay. Para 1952, buscando la manera de ampliar sus posibilidades como compositor y músico incorpora un bajista y contrata a los vocalistas Magdalena Sánchez y Ángel Custodio Loyola. En 1952, el empresario Alejandro Hernández le ofrece una oportunidad a "Los Torrealberos" para actuar en una hacienda turística denominada "Rancho Pampero", ubicada en Chacaíto (Estado Miranda) donde presentaba su música, los días miércoles, a turistas extranjeros, en su mayoría provenientes de Estados Unidos1 .
La música instrumental y la llanera, en su forma estilizada, interpretada por Magdalena Sánchez fueron bien recibidas por los turistas, a excepción de la forma "recia" interpretada por Ángel Custodio Loyola, que carecía de aceptación. Este hecho, lleva al músico a dedicarse en lo sucesivo al género estilizado de la música llanera. Un tiempo después, Loyola abandona el conjunto, según diría varios años después, porque Torrealba le quitaba al cantante las propinas que a éste último le daban. Después de la renuncia de Loyola y Sánchez, inicia la producción de discos LP contratando inicialmente a la joven cantante Josefina Cornieles Lares, apodada artísticamente "Marisela" y luego al joven tenor popular Mario Suárez convenciéndolo de que abandonara su estilo inicial basado en el bolero. Las producciones con este artista comienzan a ser apreciadas por el público, alternándose con ejecuciones instrumentales.
En ese momento, los poetas Germán Fleitas Beroes y Ernesto Luis Rodríguez emprenden la tarea de ponerle la letra a algunas de sus composiciones. Para la distribución de sus grabaciones, contó con una alianza hecha con la empresa Venevox. Más tarde también acompaña con su grupo a artistas como Rafael Montaño, Pilar Torrealba (quien no era partiente del músico), Héctor Cabrera y Rudy Hernández Durante los años 60 y 70, aparte de sus varias presentaciones en territorio nacional inicia también otras dando a conocer sus composiciones en diversos países de América y Europa. De hecho, al finalizar la dictadura de Marcos Pérez Jiménez el músico debió marcharse de Venezuela, al sentir que los gobiernos que siguieron mantenían un veto sobre su música.
Así que llega a España donde se pone en contacto con el músico Lorenzo González, dueño de una orquesta y quien le consigue presentaciones a Torrealba y su grupo. En 1971, marca un hito en su carrera al grabar el LP Rapsodia Llanera junto a su agrupación y una orquesta sinfónica que dirigió el músico Attilio Ferraro. Poco después, desaparece el sello Banco Largo. Al principio de 1973, en Alemania estudia los principios de la música electrónica y, al regreso, incorpora mejoras en el sonido de su arpa y añade la presencia de teclados a su conjunto. Firma un nuevo contrato con la filial venezolana discográfica de la transnacional BASF, con la cual realiza varios LPs con música tradicional venezolana y música bailable de Colombia, Cuba y México. Llega inclusive a experimentar con melodías italianas al grabar su álbum Italia In Ritmo Tropicale (1977). Anteriormente, había grabado a su lado la soprano japonesa Nikari Niki, quien introdujo la novedad de interpretar las melodías de Torrealba, a partes iguales en español y japonés.
En 1978, buscando innovar con su música, Torrealba disuelve momentáneamente su agrupación para establecer una orquesta bailable que combinara en un solo ritmo los compases de la salsa, el pasaje y la samba brasileña. A esta mezcolanza la denominó Ritmo Super 80. Con esta agrupación, graba su único LP titulado Juan Vicente Torealba y su Ritmo Super 80. Sin embargo, su intento es ignorado por los directores de las orquestas de moda y Torrealba disuelve la agrupación, regresando Los Torrealberos a la actividad. Poco después también desaparece la discográfica BASF de Venezuela. Firma su último contrato discográfico en 1981 con la empresa Sonográfica, con la cual realiza unas pocas grabaciones, respaldando a la cantante apodada Natalia, antes de retirarse de la actividad musical en 1986, al sentir que a su música no se le daba suficiente promoción. Desde entonces, Juan Vicente Torrealba, se ha dedicado a la fotografía y a la pintura, aparte de buscar el rescate de sus composiciones y su música, labor en parte realizada por las empresas Velvet Música y Fonográficas Gilmar, las cuales manejan actualmente en sus archivos, el catálogo de la mayoría de las grabaciones del músico y sus acompañantes.
A pesar del motivo que llevó al retiro al conocido músico y compositor, Torrealba ha realizado aproximadamente 130 discos entre LPs y grabaciones en 78 rpm, ha escrito más de 300 composiciones, ha grabado 10 composiciones al lado de orquesta de cuerdas, ha ganado más de 45 condecoraciones y ha sido designado como una de las 100 Personalidades Latinoamericanas del Siglo 20, también fue nombrado profesor honorario de la Academia Militar de Venezuela y Patrimonio Cultural de la Música Universal por el Gobierno del Departamento del Meta en Colombia. En la ciudad Mexicana de Xalapa hay una plaza, una calle y un parque con su nombre. El 10 de mayo de 2007, la fundación Luis Alfonzo Larrain realizó en el Teatro Teresa Carreño un homenaje a este músico y compositor venezolano por su trayectoria y 90 años de vida, como baluarte de las tradiciones musicales venezolanas.
(n. 16 de mayo de 1977 en Kópavogur) es una cantante islandesa. Se dio a conocer mundialmente con su álbum Love in the Time of Science y con su interpretación de «Gollum's Song» en la banda sonora de El Señor de los Anillos: las dos torres.
Su padre es italiano y su madre islandesa, y Emilíana creció en Islandia. Allí su padre opera un reconocido restaurante de comida italiana, de su propiedad. Emilíana creció en la ciudad de Kópavogur, lugar en donde se unió (a la edad de 7 años) a un coro, cantando como soprano. Allí permaneció hasta que entró a una institución de ópera a la edad de 15 años. En 1994 se dio a conocer en Islandia tras ganar a los 17 años la Söngkeppni framhaldsskólanna, competencia de canciones entre colleges, cantando «I Will Survive» («Sobreviviré», de la cantante estadounidense Gloria Gaynor).
Entre los años 1994 y 1996 Emilíana lanzó en Islandia tres álbumes: Spoon (con una banda del mismo nombre), Crouçie d'où là, y Merman.
Empezó a ganar fama mundial en 1999 con Love in the Time of Science (producido por Roland Orzábal, de Tears for Fears); y la confirmó con su grabación de la canción «Gollum's Song», el tema final de la película de Peter Jackson El Señor de los Anillos: las dos torres. Su compatriota Björk, propuesta inicialmente para esta interpretación, no pudo grabarla por su estado de embarazo.
En 2005 lanzó el álbum Fisherman's Woman, en el que se encuentran los sencillos «Sunny Road» y «Heartstopper». En 2006, Torrini estuvo nominada en cuatro categorías a los Icelandic Music Awards llevados a cabo en la capital islandesa, Reikiavik: Álbum pop del año, Canción del año (por «Sunny Road»), Cantante del año y Video del año (también por «Sunny Road», dirigido por Ali Taylor). Ganó todos excepto Canción del año.
Su álbum Me and Armini, que se diferencia de sus anteriores producciones, por su orientación pop, fue publicado el 5 de septiembre del 2008 por Rough Trade Records. La canción «Jungle Drum» de ese álbum, que fue publicada en marzo de 2009 en Alemania, después de que fuera presentada en la serie final de Germany's Next Topmodel, sirvió para que fuera catapultada en las listas alemanas: tan solo un día después llegó al puesto número 1 de las iTunes-Charts y poco tiempo después tomó el puesto número 2 en las compras por Internet y el puesto número 1 cuando fue publicado su disco.
Es una popular e influyente banda norteamericana de los años setenta, parte integrante de la llamada Nueva Ola, y referente estético y musical del pop de los ochenta.
Hasta ahora Blondie ha vendido más de 50 millones de discos.1 Los miembros de la formación original de Blondie eran Deborah Harry como vocalista, Clem Burke como batería, Gary Valentine como bajista, James Destri como teclista y Chris Stein como guitarrista.
De origen neoyorquino, el grupo inició su andadura musical en 1975 junto a otras bandas locales como The Ramones y Television, dentro del recién surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB supusieron una plataforma para dar a conocer a la banda en Nueva York.
Tras editar un par de álbumes ("Blondie", "Plastic Letters") con singles de modesto éxito ("X offender","In the flesh" o la popular "Denis", que les abrió las puertas del mercado europeo) en 1978 sale a la venta su tercer trabajo, el álbum Parallel Lines: un compendio de sonidos a medio camino entre el punk rock, el Soft Rock y el sonido de la música disco que por aquel entonces comenzaba a causar furor a ambos lados del Atlántico. El éxito de este álbum a nivel mundial, y particularmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, se debió a la popularidad de algunas de sus canciones, tales como: "Heart of Glass" (que alcanzó simultáneamente el número 1 en las listas inglesas y estadounidenses), "Sunday girl", "Picture This" o One Way or Another. Destacar también su tema "Hanging on the telephone", versión de The Nerves.
"Heart of glass", el tema estrella de "Parallel lines", abrió una nueva vía en el sonido de la banda: Clem Burke, batería del grupo, ha comentado que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggae terminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó a partir de algunos cortes del Stayin' Alive de Bee Gees. Por su parte, Jimmy Destri, teclista de la banda, admitió que los integrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentos electrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en "Heart of glass" intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores. Lo cierto es que "Heart of glass" alcanzó el puesto más alto de las listas de éxitos. Semejante éxito sacó a la banda del anonimato: Blondie pasó a convertirse en uno de los conjuntos musicales más célebres y admirados por el público joven, y su carismática vocalista y líder, Deborah Harry, comenzó a acaparar las portadas de numerosas revistas con su imagen sexy, atrevida y su carácter gélido.
La carrera de Blondie continuó con "Eat to the beat" (1979), que incluía canciones convertidas luego en íconos del pop como "Atomic", "Dreaming" o "Union city blue"; en 1980 el grupo grabó "Call me", tema compuesto por Giorgio Moroder y Deborah Harry para la banda sonora del filme "American Gigolo", convirtiéndose en un nuevo número uno en los EE.UU. Su quinto disco, "Autoamerican" (1980), incluyó los singles "The tide is high" y "Rapture" (que incluye el primer rap cantado por una mujer blanca), ambos números 1 en los EEUU. Con "Autoamerican", la banda daba un paso hacia adelante abordando nuevos estilos y sonidos que, más allá del punk-pop habitual, campaban entre el jazz, el rock épico, el reggae o incluso el sinfonismo ("Europa").
Su último disco, "The hunter", fue el menos popular de los realizados por la banda, y coincidió con el declive de la misma en 1982, separándose al año siguiente, también debido a una enfermedad de origen genético que padecía el guitarrista Chris Stein. Deborah Harry, líder de la banda, voz e imagen (que ya había editado un álbum en solitario en 1981 llamado "Koo Koo"), emprendió una carrera como solista con cierto éxito aunque sin igualar la popularidad de Blondie,además de participar en algunas películas y series de televisión como actriz invitada. Algunos de sus éxitos como solista fueron "I want that man" o "French kissin in the USA", durante la década de los 80. En la década de los 90, Debbie Harry participó en diversos proyectos musicales colaborando con artistas alternativos, y también trabajó con la banda de jazz "The Jazz Passengers".
En 1998, los cuatro miembros de la formación original de Blondie, Deborah Harry, Clem Burke, James Destri y Chris Stein decidieron reunirse para grabar el que sería su séptimo álbum, "No exit", editado en 1998 y cuyo single "Maria" les llevó de nuevo a las listas de éxitos.
En 2003 salió a la venta "The curse of Blondie", su último álbum hasta la fecha. Coincidiendo con el trigésimo aniversario de su disco "Parallel lines", Blondie realiza una larga gira internacional.
Blondie es el único grupo musical que ha conseguido números uno en tres décadas consecutivas. Además, Debbie Harry está incluida en el libro Guinness de los Records, como la cantante más madura de la historia en conseguir un número uno en las listas de éxitos de UK con "Maria". En 2006, Blondie han sido incluidos en el codiciado Salón de la Fama del Rock n'Roll.
En 2008 anuncian que comenzarán a grabar lo que será su noveno álbum. "Panic Of Girls" será lanzado a finales de 2010 en Australia, y será lanzado mundialmente en 2011
• Un juego creado por la compañía Atari llamado Driver "Parallel Lines" en su soundtrack se encuentra la cancion del grupo llamada "One Way Or Another" de su album "Parallel Lines" creado en el año de 1978, año mismo donde se desarrolla la historia del juego. • La cancion "Atomic" forma parte de la banda sonora de la pelicula "Trainspotting" pero reinterpretada por la banda Sleeper. • Las cantantes ochenteras Sabrina y Samantha Fox realizan un cover del exito de Blondie "Call me" en el año 2010. • La canción "Heart of Glass" aparece siendo escuchada por el dependiente de una gasolinera en la película Super 8. • La canción "Call Me" pertenece a la banda sonora de American Gigolo, film protagonizado por Richard Gere. • Hay versiones de temas de Blondie grabadas en otros idiomas: "Sunday Girl" en francés, "Call Me" en castellano (Llamame).
Fatou es el nombre con el que se conoce a Fatoumata Diawara, fusiona el folk Wassoulou con jazz y soul, residente en Francia. Nació en Costa de Marfil en 1982, de padres malineses vinculados al mundo el arte y la danza procedentes de la mítica región de Wassoulou, en el oeste de Malí. De niña empieza a bailar en el grupo de su padre la frenética danza ancestral de Wassoulou y con 12 se traslada a Bamako. En la capital de Mali queda a cargo de una tía actriz que le introduce en el mundillo cinematográfico. Una breve aparición suya en uno de los filmes en los que participaba, llama la atención de Cheick Omar Sissoko que le da un papel principal en su film La Genèse. En el oeste de África, en Malí, Guinea, Senegal y Burkuna Faso, es muy conocida por su participación en películas que han sido muy populares. También ha participado en diversas producciones teatrales, en su país y en Francia.
Al cumplir los 18 viaja por vez primera a Francia donde participa en una gira interpretando el papel de Antígona. A su regreso a Mali protagoniza la película de Dani Kouyaté, Sia, una joven leyenda del África occidental que se atrevió a desafiar la tradición. La popularidad que alcanza esta cinta hace que Fatoumata sea conocida por muchos en la región como Sia.
En 2002 recibe una oferta del director de la compañía de teatro francesa Royal de Luxe. Previamente sus padres le habían forzado a manifestar a la televisión malí que abandonaba su carrera de actriz para casarse. En Mali una mujer soltera es considerada menor por lo que necesitaba el permiso de sus padres para viajar a Francia. Como quiera que estos se negaron, Fatou decide “escaparse” por su cuenta y volar a París.
Comenzó a cantar en el tiempo muerto entre representación y representación; en París Fatoumata cantaba en bares, allí fue descubierta por Cheikh Tidiane Seck. De la mano de este popular teclista y compositor malinés regresa a Bamako y participa en diversos proyectos musicales: tanto en el disco “Seya” de la maravillosa Oumou Sangaré como en el álbum de la cantante de jazz afro-americana Dee Dee Bridgwater “Red Earth”. Su voz sedosa y contemporánea también está en los recientes discos de Cheikh Lô, AfroCubism, Herbie Hancock y Poli-Rythmo de Cotonou.
Ahora está dedicada completamente a la música: tras aprender a tocar la guitarra (animada por Rokia Traoré) y componer una buena colección de piezas debuta para el prestigioso sello británico World Circuit de la mano la mismísima Oumou Sangaré. Tine un Ep llamado Kanou publicado en mayo del 2011 que contiene cuatro canciones y un Lp llamado Fatou publicado en septiembre del 2011 Hasta once piezas ha grabado y en las que destaca su voz cristalina. Ha contado con la mano maestra del productor Nick Gold (Buena Vista Social Club, Ali Farka Touré, Oumou Sangare, Orquesta Baobab,…) para certificar un magnífico disco.
Nació en la Ciudad de México y se inició como cantante en 1973, en La Peña del Nahual, donde conoció a los compositores mexicanos Jaime López, Emilia Almazán, Marcial Alejandro, Roberto Cárdenas y Arturo Cipriano, entre otros, quienes contribuirían a dar forma a su voz como intérprete. 
(n. 16 de mayo de 1977 en Kópavogur) es una cantante islandesa. Se dio a conocer mundialmente con su álbum Love in the Time of Science y con su interpretación de «Gollum's Song» en la banda sonora de El Señor de los Anillos: las dos torres.
Fatou es el nombre con el que se conoce a Fatoumata Diawara, fusiona el folk Wassoulou con jazz y soul, residente en Francia. Nació en Costa de Marfil en 1982, de padres malineses vinculados al mundo el arte y la danza procedentes de la mítica región de Wassoulou, en el oeste de Malí. De niña empieza a bailar en el grupo de su padre la frenética danza ancestral de Wassoulou y con 12 se traslada a Bamako. En la capital de Mali queda a cargo de una tía actriz que le introduce en el mundillo cinematográfico. Una breve aparición suya en uno de los filmes en los que participaba, llama la atención de Cheick Omar Sissoko que le da un papel principal en su film La Genèse. En el oeste de África, en Malí, Guinea, Senegal y Burkuna Faso, es muy conocida por su participación en películas que han sido muy populares. También ha participado en diversas producciones teatrales, en su país y en Francia.